Realización cinematográfica, parte 1: composición, dirección y enfoque

Hagamos un cortometraje con una cámara sin espejo y creemos un aspecto cinematográfico con un trabajo de enfoque que aproveche el bokeh del lente.

En el artículo “Conceptos básicos sobre el video para grabar video con una cámara sin espejo” y “Vídeo Filmación: Guía de los tipos básicos de trabajo de cámara y efectos dramáticos”Explicamos los puntos a los que debes prestar atención al comenzar a grabar videos.

En esta ocasión, presentaremos la composición y la dirección que debes tener en cuenta antes de empezar a grabar, basándonos en ejemplos reales.

En esta ocasión, le pedimos a la directora de video Saki Matsumoto, que estudió guionismo en una escuela de cine en la costa oeste de Estados Unidos, cuna del video, que creara un ejemplo de video sobre el tema “guiar la mirada del espectador de forma natural aprovechando el efecto bokeh de la lente”. Utilizando este ejemplo de video como tema, le pedimos que explicara los conceptos básicos de la composición de video y cómo montarlo en la práctica.

Nota del editor: Matsumoto utilizó TAMRON Lens Utility™ Mobile Ver. 4.0. TAMRON Lens Utility Mobile ya está disponible en Versión 5.0 ¡Con aún más funciones para cineastas!

Conceptos básicos de la escritura de guiones

TAMRON: En primer lugar, cuéntenos los conceptos básicos sobre cómo estructurar un guion. He investigado un poco y he encontrado un material didáctico que presenta los conceptos básicos de la escritura de guiones en forma de cómic de cuatro viñetas con la trama “introducción, desarrollo, giro y conclusión”. ¿Son estos los conceptos básicos sobre cómo estructurar un guion?

Matsumoto: Sin duda, parece que en Japón existe una forma de enseñar así. En el entorno en el que aprendí, el flujo básico era una estructura de tres partes: ACT1 (escenario), ACT2 (desarrollo) y ACT3 (resolución). Es un concepto común en todo el mundo que los cortometrajes, los largometrajes de dos horas, los dramas de una hora, los animes de 30 minutos y los anuncios de un minuto se crean básicamente con la misma estructura. Si aplicamos esto a “introducción, desarrollo, giro y conclusión”, creo que sería ACT1 (introducción), ACT2 (desarrollo y giro) y ACT3 (conclusión).

Me pidieron que creara un video de ejemplo y, mientras pensaba en varias tramas,¹ , se me ocurrió la idea de este “proceso de cocción”. Para cocinar siempre se necesitan utensilios. Hay varias acciones que realizar al utilizarlos, por lo que es importante mostrar “dónde dirigir la mirada” y “qué pueden hacer”. En este video, “Preparación de una tarta de manzana”, quiero que el espectador se fije en la superficie cortada de la manzana, no en el cuchillo que la ha cortado, y creo que es un buen ejemplo de cómo el desenfoque puede guiar la mirada del espectador, no solo hacia el cuchillo que la ha cortado, sino hacia la dirección en la que se mueve el pincel.

Si este fuera un video que muestra el proceso de una receta, tendría que mostrar los pasos intermedios sin cortes bruscos.² , así que creo que lo habría compuesto con un ritmo diferente. En esta ocasión, el objetivo es “mostrar el desenfoque de la lente” utilizando el proceso de elaboración de una tarta de manzana, por lo que intenté crear este tipo de ritmo.

1 Al hacer un video, es importante resumir el flujo general, como la dirección y la composición. En esta etapa, el cliente, el director y el personal llegan a un acuerdo sobre la misma interpretación. Después de revisar la trama, se deciden las líneas y los movimientos detallados.
2 Se trata de un método de expresión que conecta diferentes cortes e ignora el flujo de un solo video. Da la impresión de que el movimiento y el tiempo han cambiado repentinamente, lo que proporciona al espectador un buen ritmo, una sensación de velocidad y sorpresa.

Crea una historia para tu pieza

TAMRON: Hemos visto el video de ejemplo que has creado. Cuéntanos más sobre este ejemplo. ¿Cómo procediste desde que recibiste la solicitud hasta la creación del plan y la composición?

Matsumoto: El video de ejemplo que nos pidieron que hiciéramos esta vez debía tener una duración de dos minutos y medio, por lo que pensamos que era necesario estructurar la historia de tal manera que los espectadores que la vieran por primera vez pensaran: “¿Qué va a pasar a continuación?”, y hasta cierto punto, “¿Qué pasará?” y “¿Cómo terminará?”.”

TAMRON: Es una estrategia para despertar el interés del espectador y conseguir que se concentre en el video.

Matsumoto: Así es. Esta vez el tema es hacer un pastel de manzana. Es solo el proceso de hacer un pastel, pero para que la historia que mencioné antes funcionara, nos aseguramos de mostrar el proceso de lo que se está haciendo hasta cierto punto en la primera mitad, y de mostrarlo a un ritmo rápido en la segunda mitad.

TAMRON: Por favor, denos más detalles.

Matsumoto: Dedicamos tiempo a los cortes más largos de la primera mitad, como “cortar las manzanas” y “ponerlas en una olla y hervirlas”. Y fuimos conscientes del ritmo en la parte central y final del video, como “dar forma a la masa del pastel” y “meterla en el horno”.”

Al hacerlo, creo que fue posible verlo como una historia natural, y esto fue el resultado de construir una estructura con el objetivo de dejar clara la escena inicial y sumergir al espectador en el mundo de la película, por muy corta que fuera la obra. Creo que el espectador pudo imaginar que “esto es cocinar” cuando vio el “huevo” y la “tabla de cortar y el rodillo” en las dos primeras tomas. Había muchos otros elementos que se podrían haber mostrado, pero esta vez elegí estos temas.

Al dirigir, ten en cuenta el flujo natural de la actuación.

TAMRON: En la etapa de composición, pensaste en cómo atraer al espectador al mundo del video. Así que habías pensado en todo eso. Los títulos de esta vez también están muy bien elaborados. Ese aspecto también me interesa mucho.

Matsumoto: ¡Gracias! Esta vez, intenté organizar la parte en la que aparece el personaje principal, la manzana, de manera que condujera directamente a los créditos iniciales. La manzana sale por la izquierda y conduce directamente a los títulos iniciales, pero al mostrarla en un solo corte en lugar de los dos cortes que suelen componerla, quise darle un toque de “alegría”.”

Editorial: Creo que es una producción muy bonita, que hace que el espectador se pregunte cómo llegó la manzana hasta allí.

Matsumoto: Si este tipo de producción es demasiado excesiva, puede parecer demasiado obvia, y hay momentos en los que no se puede entrar en la visión del mundo y se vuelve fría. Pensé en cómo mostrarlo con naturalidad, siendo consciente de ello como profesional. Editorial: Es muy natural, de modo que el espectador no piensa que está siendo dirigido. Creo que esto es bastante difícil. Es inevitable querer mostrar tus habilidades como director.

Matsumoto: Para aquellos que se enfrentan a la composición por primera vez, creo que lo importante es comprender los conceptos básicos y ser consciente de cómo mostrarlos con naturalidad.

Infundir tu visión única del mundo en los títulos de crédito iniciales

TAMRON: ¿Hubo alguna intención detrás del título inicial escrito a mano esta vez?

Matsumoto: Sí. En cuanto a este corte, desde el principio, cuando empezamos a pensar en la composición, tuvimos la idea de incluir el título en la primera mitad de la apertura, e inicialmente planeamos añadirlo en la edición. Sin embargo, teniendo en cuenta la visión del mundo basada en el gusto por lo “artesanal” de esta época, también queríamos ceñirnos a las técnicas analógicas, por lo que pensamos en una producción en la que el foco se desplazara hacia los cálidos caracteres escritos a mano.

TAMRON: El enfoque cambia de la manzana al título y vuelve a la manzana, pero ¿no fue difícil realizar esta producción con enfoque manual?

Matsumoto: Cuando nos pidieron que hiciéramos esto, nos dijeron que podíamos usar el TAMRON Lens Utility Mobile ^TM y pensamos que podríamos realizar un trabajo de enfoque preciso para la elaborada producción. Así que lo construimos partiendo de esa premisa.

Utilizando la función de enfoque AB de TAMRON Lens Utility Mobile Ver.4.0, probamos varias velocidades de enfoque durante la grabación, buscando el enfoque que mejor se adaptaba a la producción.

El guion gráfico indicaba que la escena duraba tres segundos, pero durante el rodaje se realizaron ajustes para adaptarla al movimiento real.

Editorial: ¡TAMRON Lens Utility Mobile fue muy útil en esta escena!

Matsumoto: En el disparo normal, incluso una tarea sencilla como cambiar el enfoque en 3 segundos y volverlo a colocar en 3 segundos la realiza un humano, por lo que es imposible esperar una sincronización precisa. Es difícil incluso para los profesionales, y aún más para los principiantes.

Editorial: Incluso si grabas una sola escena con cambio de enfoque, el tempo imaginado y el tempo real serán ligeramente diferentes, y no será como se pretendía.

Matsumoto: E incluso si crees que la toma es buena en el momento de grabarla, cuando la ves en una pantalla grande en la fase de edición (postproducción), es posible que te des cuenta de que “hubiera sido mejor enfocar 0,5 segundos antes”. En esta ocasión, pude grabar mientras veía la imagen in situ y ajustaba el tempo con TAMRON Lens Utility Mobile, lo que creo que hizo que el material fuera estable como corte y fácil de usar en la edición.

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La técnica oculta detrás de cortar una manzana

TAMRON: Había una escena en la que se cortaba una manzana. El chisporroteo.³ o el efecto tridimensional era muy impresionante.

Matsumoto: Sí, en este corte, creo que el efecto chisporroteante y tridimensional de la comida quedó bien al expresar un gran desenfoque y un plano focal al mismo tiempo. Como quería que este chisporroteo y el efecto tridimensional se vieran largos y ricos, utilicé una técnica que consiste en ralentizar un poco el metraje grabado a 60P (60 fotogramas) en la edición y ralentizarlo hasta un rango que no resultara antinatural con el audio a 24P (velocidad normal).

Dado que se muestra un corte largo, intenté guiar la mirada con un delicado trabajo de enfoque, aunque se trata de un rango muy estrecho, y hacer posible ver la visión del mundo sin interrupciones hasta el final del corte.

3 La palabra “sizzle” (chisporrotear) proviene del sonido que hace la carne al cocinarse. Se utiliza principalmente para expresar una sensación de frescura con un toque de sustancia en fotografías y vídeos publicitarios que muestran ingredientes y platos. También se puede utilizar para referirse a una sensación de realidad o presencia en otros ámbitos además de la comida y la cocina.

Utiliza los efectos bokeh para transmitir el mundo que deseas expresar.

TAMRON: A continuación viene la escena en la que se ponen las manzanas en la olla. Es una escena larga, pero pude verla rápidamente. ¿Cuál es la intención oculta detrás de esta escena?

Matsumoto: Lo has estado viendo mucho (risas). Después de encender el fuego, me aseguro de mostrar mis manos mientras ordeno. Algunas personas pueden pensar que no es necesario mostrar tantos detalles, o que se puede omitir. Sin embargo, al mostrar la parte de “recoger”, que no es necesario mostrar en un video normal de un proceso de cocción, pretendo crear una impresión duradera y atraer al espectador al mundo que quiero mostrar.

Al mostrar deliberadamente los movimientos de la modelo de forma borrosa, se crea una impresión duradera y se transmite una nueva visión del mundo.

TAMRON: Ya veo. Sin duda fue una escena memorable. En esta escena, el foco no está en los movimientos de la persona. En general, se enfocaría en la persona, pero ¿cuál es el objetivo de esto?

Matsumoto: Al no enfocar deliberadamente los movimientos de la persona y situarla en un fondo borroso, nos aseguramos de que la atención se mantenga en el sujeto principal, la olla en la que se están cociendo las manzanas. Si hubiéramos enfocado a la persona, la transición al siguiente corte, en el que se abre la tapa de la olla, habría sido deficiente, por lo que, al utilizar el desenfoque para mostrar las manos ordenando, expresamos esto como una “impresión persistente”.”

El objetivo es guiar la mirada del espectador antes de que coja el cuenco.

Efectos bokeh y técnicas de enfoque

TAMRON: ¿Hubo algún trabajo específico en el que prestaras especial atención para sacar el máximo partido al bokeh?

Matsumoto: Fue la sincronización de los movimientos de la modelo y el trabajo de enfoque. Después de cambiar el enfoque de la olla al tazón, la mano entra en el encuadre y toma el tazón. Al cambiar el enfoque, el espectador se da cuenta con sus ojos de que “algo va a suceder” y entonces entra la mano. Esto permite al espectador comprender de forma natural el flujo.

Si hubieras ajustado el enfoque después de que apareciera la mano, habría dado una impresión ligeramente agitada y habría transmitido la intención de la producción. Como mencioné al principio, creo que es importante crear una sensación natural en la producción.

El secreto para mantener el interés de los espectadores es generar expectación.

TAMRON: Al volver a ver el video con tu explicación, entiendo la intención detrás de hacer que las imágenes se vean naturales. Así que esto es lo que significa natural. Ahora, sigamos hablando de la segunda mitad.

Matsumoto: Sí. Como hemos comentado, la visión del mundo se formó con un ritmo suave en la primera mitad, por lo que en la escena de la segunda mitad, donde se extiende la mezcla de huevo sobre la masa del pastel, los cortes se conectan en una rápida progresión similar a un montaje. Creo que, aunque el ritmo cambia de esta manera, no resulta extraño para el espectador.

Al mantener el enfoque en la punta de la espátula o del pincel, el desenfoque se utiliza para crear un efecto tridimensional.

TAMRON: He oído que el tempo es más rápido en las escenas en las que se cuecen las manzanas en una olla y se extiende la mezcla de huevo sobre la masa del pastel.

Matsumoto: Sí, los cortes están conectados a un ritmo más rápido que en la primera mitad. Sin embargo, fui consciente de mantener el enfoque ajustado. Esto se debe a que pensé que si toda la escena estuviera enfocada, la imagen carecería de dinamismo y tridimensionalidad, por lo que fui consciente de seguir el enfoque con una profundidad de campo reducida.

Además, también pretendía crear expectación ante la finalización de la obra con cortes rápidos. Un tempo más rápido crea una sensación de velocidad y tiene el efecto de aumentar la tensión, así que fui consciente de ello. Por cierto, el compositor también entendió la intención y cambió el desarrollo de la música hacia la segunda mitad.

TAMRON: De hecho, genera expectación por la siguiente escena.

Matsumoto: Y a partir de aquí, la escena avanza hacia el final. Es una escena en la que se mete el pastel en el horno, pero al conectarla con una escena que muestra la habitación desde fuera de la ventana después del horno, se expresa el paso del tiempo.

En cuanto al enfoque, fui consciente del enfoque fuera del horno y utilicé TAMRON Lens Utility Mobile para grabar varios patrones de cambio de enfoque en diferentes momentos. Como resultado, utilicé una toma con un cambio de enfoque más largo. Creo que, al hacer coincidir el ritmo del enfoque fuera y dentro de los cortes anteriores y posteriores, fue posible expresar una disolución larga y natural.⁴ Y al insertar una toma exterior, pude aliviar la falta de naturalidad del corte brusco, al tiempo que expresaba una sensación de expectación hasta que el producto horneado estuviera listo.

Al mismo tiempo, al insertar un corte desde la vista aérea desde el exterior, es posible dar un respiro al espectador, por lo que se puede explicar que “la visión del mundo ha cambiado”.”

TAMRON: Ya veo. De hecho, si no existiera esta conexión interrumpida, el pastel se hornearía de repente y tú dirías: “¿Eh?”. Y a partir de aquí, se llega naturalmente al final.

4 Una de las transiciones. Técnica en la que el corte anterior se desvanece gradualmente y el siguiente se desvanece gradualmente. Debido a que los dos cortes cambian como si se fusionaran, esta técnica se utiliza para flashbacks y transiciones de escenas que muestran el paso del tiempo.

El trabajo de enfoque y finalización que es posible con TAMRON Lens Utility Mobile

Matsumoto: Aquí también, al igual que en el título de apertura, nos ceñimos a las técnicas analógicas. Nos centramos en sincronizar los movimientos del modelo con los del deslizador. Lo importante era sincronizarlo con el movimiento de la taza sobre el posavasos, ya que si fuera demasiado rápido o demasiado lento, habría quedado poco natural. Pudimos dejar la posición de enfoque a TAMRON Lens Utility Mobile, por lo que pudimos concentrarnos en sincronizar los movimientos.

TAMRON: Incluso un aficionado pensaría que enfocar los movimientos de la modelo mientras la cámara se mueve horizontalmente es una operación complicada. Si no hubiera podido utilizar TAMRON Lens Utility Mobile, ¿qué cree que le habría resultado difícil?

Matsumoto: Si hubiera sido un enfoque manual, habría sido difícil ajustar la posición y el momento del enfoque, e incluso con el enfoque automático, habría sido difícil sincronizar el enfoque con el movimiento hasta tal punto. Gracias a TAMRON Lens Utility Mobile, pudimos filmar con un mínimo de repeticiones.

Al sincronizar el enfoque con el momento en que se coloca la taza, la mirada del espectador se guía de forma natural, creando una sensación natural.

TAMRON: Nos alegra que la aplicación TAMRON Lens Utility Mobile te haya ayudado a capturar las imágenes que deseabas. El corte del pastel que se muestra en los créditos finales también quedó muy bien.

Matsumoto: De hecho, esa es también mi foto favorita. Aunque fui yo quien la tomó, no había un buen lugar para incluirla en el reportaje principal, así que acabé utilizándola de esta manera. El objetivo macro que utilicé esta vez produjo imágenes muy buenas. Tenía la resolución justa y las imágenes eran naturales, sin ser demasiado duras, lo que, en mi opinión, combinado con la iluminación, creó un gran efecto chispeante. Creo que se adaptaba especialmente bien a la visión del mundo de esta película.

La estructura es la base del video

Matsumoto: La composición es una base muy importante para la producción de videos. Creo que solo con esta base se puede dar vida a la dirección del creador. Una vez que hayas decidido lo que quieres filmar, debes incorporarlo cuidadosamente en la composición. A partir de ahí, considera varios métodos de dirección y haz que tu individualidad destaque como obra.

¡Vuelve a ver el cortometraje!

Parte 2: El enfoque técnico de la realización cinematográfica

Aquí, hablamos con la directora Matsumoto Saki sobre cómo armar la composición y la dirección. A continuación, le preguntamos al director de fotografía Yanagishita Takayuki, quien estuvo a cargo de la filmación, sobre el enfoque técnico durante el rodaje.

Ver Realización cinematográfica, parte 2: trabajo de enfoque con TAMRON Lens Utility Mobile

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Acerca de Saki Matsumoto

Nacida en Toyo. Tras graduarse en Guion Cinematográfico por la Universidad Estatal de California, Northridge, regresó a Japón en 2011. Ha trabajado como directora de sonido en el doblaje de películas en idiomas extranjeros y ha dirigido más de 100 películas. Al mismo tiempo, también participa en la producción de películas y anuncios publicitarios. A finales de 2017 fundó Creative Piece Production y actualmente se dedica principalmente a la producción de vídeos como directora y productora. Página web | YouTube