Réalisation d'un film Partie 1 : Composition, direction et mise au point

Réalisons un court métrage avec une caméra sans miroir et créons un look cinématographique avec un travail de mise au point qui utilise le bokeh de l'objectif.

Dans l'article “Principes de base de la vidéo avec un appareil photo sans miroir” et “Vidéo Tournage : Guide des principaux types de travail de la caméra et des effets dramatiques”Nous avons expliqué les points auxquels vous devez prêter attention lorsque vous commencez à tourner des vidéos.

Cette fois-ci, nous présenterons la composition et la direction auxquelles vous devez penser avant de commencer à photographier, en nous basant sur des exemples concrets.

Cette fois, nous avons demandé à la vidéaste Saki Matsumoto, qui a étudié l'écriture de scénario dans une école de cinéma de la côte ouest des États-Unis, la patrie de la vidéo, de créer un exemple de vidéo sur le thème “conduire le regard du spectateur de manière naturelle tout en tirant parti de l'effet bokeh de l'objectif”. En utilisant cet exemple vidéo comme sujet, nous lui avons demandé d'expliquer les bases de la composition d'une vidéo et la manière de la mettre en place.

Note de la rédaction : Matsumoto a utilisé TAMRON Lens Utility™ Mobile Ver. 4.0. TAMRON Lens Utility Mobile est maintenant disponible en Ver. 5.0 avec encore plus de fonctionnalités pour les cinéastes !

Les bases de l'écriture de scénarios

TAMRON : Tout d'abord, expliquez-nous les principes de base de la structure d'un scénario. J'ai fait quelques recherches et je suis tombé sur un matériel pédagogique qui présente les bases de l'écriture d'un scénario sous la forme d'une bande dessinée à quatre planches dont la trame est la suivante : “introduction, développement, rebondissement et conclusion”. S'agit-il des bases de la structure d'un scénario ?

Matsumoto : Il semble bien qu'il existe une méthode d'enseignement de ce type au Japon. Dans l'environnement où j'ai appris, le flux de base était une structure en trois parties : ACT1 (cadre), ACT2 (développement) et ACT3 (résolution). Il est communément admis dans le monde entier que les courts métrages, les longs métrages de deux heures, les dramatiques d'une heure, les anime de 30 minutes et les publicités d'une minute sont fondamentalement réalisés selon la même structure. Si nous appliquons cela à “l'introduction, le développement, le rebondissement et la conclusion”, je pense que ce serait ACT1 (introduction), ACT2 (développement et rebondissement) et ACT3 (conclusion).

On m'a demandé de créer un exemple de vidéo, et lorsque j'ai pensé à plusieurs intrigues¹ , C'est ainsi que m'est venue l'idée de ce “processus de cuisson”. La cuisine nécessite toujours des outils. Il y a plusieurs actions à faire lorsqu'on les utilise, il est donc important de montrer “où attirer l'œil” et “ce qu'il peut faire”. Dans cette vidéo, “Préparation d'une tarte aux pommes”, je veux que le spectateur regarde la surface coupée de la pomme, et non le couteau qui l'a coupée, et je pense que c'est un bon exemple de la façon dont le flou peut guider le regard du spectateur, non seulement vers le couteau qui l'a coupé, mais aussi vers la direction dans laquelle le pinceau se déplace.

S'il s'agissait d'une vidéo montrant le processus d'une recette, je devrais montrer les étapes intermédiaires sans coupures.² , Je pense donc que je l'aurais composée avec un rythme différent. Cette fois-ci, le but est de “montrer le flou de l'objectif” en utilisant le processus de préparation d'une tarte aux pommes, et j'ai donc essayé de créer ce type de rythme.

1 Lors de la réalisation d'une vidéo, il est important de résumer les grandes lignes, telles que la direction et la composition. À ce stade, le client, le réalisateur et l'équipe sont tous d'accord sur le même point. Après avoir examiné l'intrigue, les lignes et les mouvements détaillés sont décidés.
2 Il s'agit d'une méthode d'expression qui relie différentes coupes et ignore le flux d'une seule vidéo. Elle donne l'impression que le mouvement et le temps ont soudainement changé, ce qui donne au spectateur un bon tempo, une sensation de vitesse et de surprise.

Construisez l'histoire de votre pièce

TAMRON : Nous avons regardé l'exemple vidéo que vous avez créé. Veuillez nous en dire plus sur cet exemple. Comment avez-vous procédé entre la réception de la demande et la création du plan et de la composition ?

Matsumoto : L'exemple de vidéo qu'on nous a demandé de réaliser cette fois-ci devait durer 2 minutes et demie. Nous avons donc pensé qu'il était nécessaire de structurer l'histoire de manière à ce que les téléspectateurs qui la regardent pour la première fois se demandent “Que va-t-il se passer ensuite ?” et, dans une certaine mesure, “Que va-t-il se passer ?” et “Comment cela va-t-il se terminer ?”.”

TAMRON : Il s'agit d'une stratégie visant à piquer l'intérêt du spectateur et à l'amener à se concentrer sur la vidéo.

Matsumoto : C'est vrai. Cette fois, le thème est la préparation d'une tarte aux pommes. Il s'agit simplement de la fabrication d'une tarte, mais pour que l'histoire que j'ai mentionnée plus tôt fonctionne, nous nous sommes assurés de montrer le flux de ce qui est fait dans une certaine mesure dans la première moitié, et de le montrer à un rythme rapide dans la seconde moitié.

TAMRON : Veuillez nous en dire plus.

Matsumoto : Nous avons consacré du temps à des séquences plus longues dans la première moitié, telles que “couper les pommes” et “les mettre dans une casserole et les faire bouillir”. Et nous avons été attentifs au tempo rythmique dans la deuxième moitié de la vidéo, comme “façonner la pâte à tarte” et “l'enfourner”.”

Ce faisant, je pense qu'il a été possible de le regarder comme une histoire naturelle, et c'est le résultat de la construction d'une structure visant à rendre la scène d'ouverture claire et à immerger le spectateur dans l'univers du film, même si l'œuvre est courte. Je pense que le spectateur a pu s'imaginer que “c'est de la cuisine” en voyant “l'œuf” et “la planche à découper et le rouleau à pâtisserie” dans les deux premiers plans. Il y avait beaucoup d'autres éléments qui auraient pu être montrés, mais j'ai choisi ces sujets cette fois-ci.

Lorsque vous dirigez, tenez compte du déroulement naturel de la représentation.

TAMRON : Au stade de la composition, vous vous êtes demandé comment faire entrer le spectateur dans l'univers de la vidéo. Vous avez donc réfléchi jusqu'à ce point. Cette fois, les titres sont également très élaborés. Cet aspect m'intéresse aussi beaucoup.

Matsumoto : Je vous remercie ! Cette fois, j'ai essayé d'arranger la partie où le personnage principal, la pomme, apparaît de manière à ce qu'elle mène directement au générique de début. La pomme sort par la gauche et mène directement au générique de début, mais en la montrant en un seul plan au lieu des deux plans qui sont habituellement composés de deux plans, j'ai voulu lui donner un peu d“”espièglerie".”

Éditorial : Je pense qu'il s'agit d'une production très mignonne, tout en amenant le spectateur à se demander comment la pomme a roulé.

Matsumoto : Si ce type de production est trop excessif, il peut sembler trop évident, et il y a des moments où l'on ne peut pas entrer dans la vision du monde et où cela devient froid. J'ai réfléchi à la manière de le montrer dans un flux naturel, tout en étant conscient de cela en tant que professionnel. La rédaction : C'est très naturel, de sorte que le spectateur ne pense pas qu'il est dirigé. Je pense que c'est assez difficile. On ne peut s'empêcher de vouloir montrer ses talents de metteur en scène.

Matsumoto : Pour ceux qui découvrent la composition pour la première fois, je pense qu'il est important de saisir les bases et d'être conscient de la manière dont les choses se déroulent naturellement.

Insufflez votre vision unique du monde dans vos titres d'introduction

TAMRON : Y avait-il une intention derrière le titre d'ouverture écrit à la main cette fois-ci ?

Matsumoto : Oui. En ce qui concerne ce montage, dès le début, lorsque nous avons commencé à réfléchir à la composition, nous avons eu l'idée d'inclure le titre dans la première moitié de l'ouverture, et nous avions initialement prévu de l'ajouter au montage. Cependant, compte tenu de la vision du monde basée sur le goût du “fait main” de cette fois, nous voulions également nous en tenir aux techniques analogiques, et nous avons donc pensé à une production où l'accent est mis sur les chaleureux caractères écrits à la main.

TAMRON : La mise au point passe de la pomme au titre et revient à la pomme, mais n'était-il pas difficile de réaliser cette production avec une mise au point manuelle ?

Matsumoto : Lorsqu'on nous a demandé de le faire, nous avons entendu dire que nous pouvions utiliser la TAMRON Lens Utility Mobile ^TM et nous avons pensé que nous pourrions faire un travail de mise au point précis pour la production élaborée. C'est donc sur cette base que nous l'avons construit.

En utilisant la fonction de mise au point AB de TAMRON Lens Utility Mobile Ver.4.0, nous avons essayé plusieurs vitesses de mise au point pendant la prise de vue, à la recherche de la mise au point la mieux adaptée à la production.

Le story-board indiquait que la scène durait trois secondes, mais des ajustements ont été effectués pendant le tournage pour faire correspondre le mouvement réel.

Éditorial : Le TAMRON Lens Utility Mobile s'est avéré utile dans cette scène !

Matsumoto : Lors d'une prise de vue normale, même une tâche aussi simple que le changement de mise au point en 3 secondes et son retour en 3 secondes est effectuée par un être humain, il est donc impossible de s'attendre à une synchronisation précise. Il est donc impossible de s'attendre à un timing précis. C'est difficile même pour les professionnels, et encore plus pour les débutants.

Éditorial : Même si vous filmez une scène avec une mise au point changeante, le tempo imaginé et le tempo réel seront légèrement différents, et le résultat ne sera pas celui escompté.

Matsumoto : Et même si vous estimez que l'image est bonne sur place après la prise de vue, lorsque vous regardez le grand écran à l'étape du montage (post), vous pouvez vous rendre compte que “j'aurais aimé faire la mise au point 0,5 seconde plus tôt”. Cette fois-ci, j'ai pu tourner tout en regardant l'image sur place et en affinant le rythme à l'aide de TAMRON Lens Utility Mobile, ce qui, je pense, a rendu le matériel stable en tant que montage et facile à utiliser lors de l'édition.

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La technique cachée pour couper une pomme

TAMRON : Il y avait une scène où une pomme était coupée. Le grésillement³ ou l'effet tridimensionnel était très impressionnant.

Matsumoto : Oui, dans ce montage, je pense que le grésillement et l'effet tridimensionnel de la nourriture ont été efficaces en exprimant un grand flou et un plan focal en même temps. Comme je voulais que ce grésillement et cet effet tridimensionnel paraissent longs et riches, j'ai utilisé une technique consistant à ralentir un peu le métrage tourné en 60P (60 images) dans le montage et à le ralentir à un niveau qui ne semblait pas artificiel avec l'audio en 24P (vitesse normale).

Comme il s'agit d'une longue séquence, j'ai essayé de guider l'œil par un travail de mise au point délicat, même si la plage est très étroite, et de faire en sorte qu'il soit possible d'observer la vision du monde sans rupture jusqu'à la fin de la séquence.

3 Le mot “grésillement” vient du son de la viande que l'on fait cuire. Il est principalement utilisé pour exprimer une sensation de fraîcheur et de substance dans les photos et vidéos publicitaires qui présentent des ingrédients et des plats. Il peut également être utilisé pour signifier un sentiment de réalité ou de présence dans d'autres domaines que la nourriture et la cuisine.

Utilisez les effets Bokeh pour transmettre le monde que vous souhaitez exprimer

TAMRON : Vient ensuite la scène où l'on met les pommes dans la marmite. Cette scène est longue, mais j'ai pu la regarder rapidement. Quelle est l'intention cachée derrière cette scène ?

Matsumoto : Vous l'avez beaucoup regardé (rires). Après avoir allumé le feu, je mets un point d'honneur à montrer mes mains pendant que je range. Certaines personnes peuvent penser qu'il n'est pas nécessaire de montrer autant de détails, ou qu'il n'y a pas de problème à les supprimer. Cependant, en montrant la partie “rangement”, qui n'a pas besoin d'être montrée dans une vidéo de processus de cuisson normale, je cherche à créer une impression persistante et à attirer le spectateur dans l'univers que je veux montrer.

En montrant délibérément les mouvements du modèle dans le flou, on crée une impression persistante et on transmet une nouvelle vision du monde.

TAMRON : Je vois. C'était certainement une scène mémorable. Dans cette scène, l'accent n'est pas mis sur les mouvements de la personne. En règle générale, on se concentre sur la personne, mais quel est l'objectif ?

Matsumoto : En ne mettant délibérément pas l'accent sur les mouvements de la personne et en la plaçant dans un arrière-plan flou, nous nous assurons que l'attention reste sur le sujet principal, la marmite dans laquelle les pommes sont en train de bouillir. Si nous nous étions concentrés sur la personne, la transition vers la coupe suivante, où le couvercle de la marmite est ouvert, aurait été médiocre. En utilisant le flou pour montrer les mains en train de ranger, nous exprimons cela comme une “impression persistante”.”

L'accent est mis sur l'orientation du regard du spectateur avant qu'il ne prenne le bol.

Effets bokeh et techniques de mise au point

TAMRON : Y a-t-il eu un travail de mise au point auquel vous avez prêté une attention particulière afin de tirer le meilleur parti du bokeh ?

Matsumoto : C'est la synchronisation des mouvements du modèle et le travail de mise au point qui ont été déterminants. Après avoir déplacé l'attention du pot vers le bol, la main entre dans le cadre et prend le bol. En déplaçant le centre d'intérêt, le spectateur se rend compte avec ses yeux que “quelque chose va se passer”, puis la main entre en scène. Cela permet au spectateur de comprendre naturellement le flux.

Si vous aviez ajusté la mise au point après l'entrée de la main, cela aurait donné une impression de légère agitation et aurait traduit l'intention de la production. Comme je l'ai mentionné au début, je pense qu'il est important de créer un sentiment naturel dans la production.

Le secret pour maintenir l'intérêt des téléspectateurs est de susciter l'anticipation

TAMRON : En revoyant la vidéo avec vos explications, je comprends l'intention de rendre les images naturelles. Voilà donc ce que signifie "naturel". Maintenant, continuons à parler de la deuxième moitié.

Matsumoto : Oui. Comme nous en avons discuté, la vision du monde a été formée avec un rythme doux dans la première moitié, alors dans la scène de la seconde moitié, où le mélange d'œufs est étalé sur la pâte à tarte, les coupes sont connectées dans une progression rapide de type montage. Je pense que même si le rythme change de cette manière, le spectateur ne le ressent pas comme étrange.

En gardant l'attention sur la pointe de la spatule ou du pinceau, le flou est utilisé pour créer un effet tridimensionnel.

TAMRON : J'ai entendu dire que le rythme était plus rapide dans les scènes où les pommes mijotent dans une marmite et où l'œuf liquide est étalé sur la pâte à tarte.

Matsumoto : Oui, les coupes s'enchaînent à un rythme plus rapide que dans la première moitié. Cependant, j'ai veillé à ce que la mise au point reste serrée. En effet, j'ai pensé que si toute la scène était mise au point, l'image manquerait d'éclat et de tridimensionnalité, et j'ai donc veillé à suivre la mise au point avec une faible profondeur de champ.

En outre, j'avais l'intention d'anticiper l'achèvement de l'œuvre par des coupes rapides. Un tempo plus rapide crée un sentiment de rapidité et a pour effet d'augmenter la tension, j'en étais donc conscient. D'ailleurs, le compositeur a également compris l'intention et a modifié le développement de la musique vers la seconde moitié.

TAMRON : En effet, cela permet d'anticiper la scène suivante.

Matsumoto : À partir de là, la scène progresse vers la fin. Il s'agit d'une scène où la tarte est mise au four, mais en la reliant à une scène montrant la pièce de l'extérieur de la fenêtre après le four, le passage du temps est exprimé.

En ce qui concerne la mise au point, j'ai fait attention à la mise au point à la sortie du four et j'ai utilisé le TAMRON Lens Utility Mobile pour prendre plusieurs modèles de mise au point à différents moments. En conséquence, j'ai utilisé une prise de vue avec un décalage de mise au point plus long. Je pense qu'en faisant correspondre le tempo de la mise au point des coupes précédente et suivante, il a été possible d'exprimer une longue dissolution naturelle.⁴ En insérant un plan en extérieur, j'ai pu atténuer le manque de naturel de la coupure, tout en exprimant un sentiment d'attente jusqu'à ce que le produit cuit soit prêt.

En même temps, l'insertion d'une coupe de la vue à vol d'oiseau de l'extérieur permet de donner une pause au spectateur, ce qui permet d'expliquer que “la vision du monde a changé”.”

TAMRON : Je vois. En effet, si ce lien n'existait pas, la tarte serait soudainement cuite et vous diriez : “Hein ?”. Et à partir de là, on arrive naturellement à la fin.

4 Une des transitions. Technique dans laquelle le plan précédent s'efface progressivement et le plan suivant apparaît en fondu. Cette technique est utilisée pour les flashbacks et les transitions de scènes qui montrent le passage du temps.

Le travail de finalisation et de mise au point rendu possible grâce à TAMRON Lens Utility Mobile

Matsumoto : Ici aussi, comme pour le titre d'ouverture, nous nous en sommes tenus aux techniques analogiques. Nous nous sommes efforcés de synchroniser les mouvements du modèle avec ceux du curseur. L'important était de se synchroniser avec le mouvement de la tasse sur le dessous de verre, et si c'était trop rapide ou trop lent, cela n'aurait pas été naturel. Nous avons pu laisser l'utilitaire TAMRON Lens Utility Mobile s'occuper de la mise au point, ce qui nous a permis de nous concentrer sur la synchronisation des mouvements.

TAMRON : Même un amateur penserait que la mise au point sur les mouvements du modèle pendant que l'appareil photo se déplace horizontalement est une opération compliquée. Si vous n'aviez pas pu utiliser le TAMRON Lens Utility Mobile, qu'est-ce qui aurait été difficile, selon vous ?

Matsumoto : S'il s'était agi d'une mise au point manuelle, il aurait été difficile de faire correspondre la position et le moment de la mise au point, et même avec l'autofocus, il aurait été difficile de synchroniser la mise au point avec le mouvement à ce point. Grâce au TAMRON Lens Utility Mobile, nous avons pu tourner avec un minimum de reprises.

En faisant coïncider la mise au point avec le moment où la tasse est posée, le regard de l'observateur est guidé naturellement, ce qui crée une impression de naturel.

TAMRON : Nous sommes heureux que l'utilitaire mobile TAMRON Lens Utility ait pu vous aider à réaliser les prises de vue que vous souhaitiez. Le montage de la tarte utilisé dans le générique de fin était également bon.

Matsumoto : En fait, c'est aussi ma photo préférée. Bien que j'aie pris la photo, il n'y avait pas d'endroit approprié pour l'intégrer dans le reportage principal, alors j'ai fini par l'utiliser de cette manière. L'objectif macro que j'ai utilisé cette fois-ci a produit de très bonnes images. Il avait juste la bonne résolution et les images étaient naturelles, pas trop dures, ce qui, combiné à l'éclairage, a créé un superbe effet de grésillement. Je pense qu'il était particulièrement bien adapté à la vision du monde de ce film.

La structure est la base de la vidéo

Matsumoto : La composition est une base très importante pour la production vidéo. Je pense que ce n'est qu'à partir de cette base que la direction du créateur peut prendre vie. Une fois que vous avez décidé de ce que vous voulez filmer, vous devez l'incorporer soigneusement dans la composition. À partir de là, envisagez différentes méthodes de mise en scène et faites ressortir votre individualité en tant qu'œuvre !

Regardez à nouveau le court métrage !

Partie 2 : L'approche technique du cinéma

Nous nous sommes entretenus avec le réalisateur Matsumoto Saki sur la composition et la mise en scène. Ensuite, nous avons demandé au directeur de la photographie Yanagishita Takayuki, qui était en charge du tournage, de nous parler de l'approche technique pendant le tournage.

Voir Réalisation d'un film - Partie 2 : Mise au point avec TAMRON Lens Utility Mobile

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À propos de Saki Matsumoto

Née à Toyo. Après avoir obtenu un diplôme de scénariste à l'université d'État de Californie à Northridge, elle est retournée au Japon en 2011. Elle a travaillé comme directrice du son pour le doublage de films en langue étrangère et a réalisé plus de 100 films. Parallèlement, elle participe à la production de films et de publicités. Elle a lancé Creative Piece Production à la fin de l'année 2017 et est actuellement active principalement dans la production vidéo en tant que réalisatrice et productrice. Site web | YouTube